你好！我是罗桂霞。
上一讲，我们讲了油画的历史和常见的流派，不知道你有没有吸收呢？也许你会问，老师，光是第一件事儿，就已经这么长了，这份攻略一点也不简单呀！
油画的历史看似丰富又杂乱，你可能感觉听了一遍也记不住！但其实，历史本身就不是用来记和背诵的，你只要对整个油画史有那么一点感觉就好，攻略就是给你一个大的脉络。
因为在之后的每一讲里，你都会重新接触油画这段历史里的各个时空，加深自己的理解。这一讲，我们来看一下攻略的第二部分：油画专业名词小清单。
这份油画专业名词小清单是我给你准备的工具箱。掌握一些简单的专业名词，不仅可以在之后的学习中，减少我们沟通的阻碍，还可以作为你个人的知识储备，让你在生活中也用得上。
好，那让我们开始吧！
这份名词小清单，我分成了三个部分，分别是色彩篇、画面篇和宗教篇。我会在每个部分，结合例子给你讲解，让你更好地理解这部分知识点。
首先是色彩篇，色彩是一幅画里的基本元素。讲到色彩，最基础的就是三原色，也就是红、黄、蓝，也是我们最常说的三原色，这三个颜色混合可以产生其他的颜色：
（色彩三原色为：红、黄、蓝；色光三原色为：红、绿、蓝；色料三原色为：青、品红、黄。下图中RGB模式中的三原色是光学三原色，是加色色彩；CMYK模式中的三原色是印刷中常用三原色，是减色色彩。）
理论上来说，这三个不同颜色的不同比例混合可以调节出任何颜色。这个知识点大家应该都知道，我就不多赘述了。
而在油画里，我们常用来分析画面里的色彩的词有：纯度、色相、色调、明度和暗度。我们把纯度放到最后讲，我们先来看一下色相。
色相，指的就是相同色系，比如我们看到香蕉是黄色的，看到苹果是红色的。香蕉的色相就是黄色系的，苹果的色相就是红色系的。我们说香蕉和苹果色相不同，是因为我们一眼看上去的颜色不同。
但是相同色相内，又有很多同等色系的颜色，比如说，绿色分为浅绿色、深绿色、墨绿色等等，但是这几种绿色属于相同色系，也就是说他们是同一色相的。可以说，色相是色彩的首要特征。
那什么是色调呢？其实，色调指的就是当你一眼看过去时，画面物体的大部分颜色。比如说，我们看晴朗的天空，虽然有几朵云，但是它的色调就是蓝色调的。
我们说色调，主要把色调区分成冷色调和暖色调，冷色调和暖色调是根据我们看颜色的心理感受来划分的。主流理论一般会把红、黄和橙划分为暖色调，蓝和紫色划分为冷色调，绿色待定。
原因大概是，我们看见红色、黄色会感觉温暖，看见蓝色和紫色会感觉有点冷。但其实，在同一个色相里，也是有冷暖之分的，有的蓝色可能明亮欢快，有的蓝色可能稍显深沉，给我们的感受也是不一样的。
我们再来看明度和暗度，明度和暗度都是指颜色的亮度，但是它们是一对相反的概念。不同的颜色具有不同的明度。例如，在三原色中，黄色就比蓝色的明度高。
这么说，你可能不太理解，我们来看一张色环图，顺便复习一下刚学的内容。
这个色环图，从中心到最外端的一条就是同一个色相。而在同一色相里，明度和暗度也是有区分的，越靠近内环，颜色的明度越高。
这里有一个冷知识，为什么红绿灯是红色、绿色和黄色呢？为什么不是三原色呢？
其实最初设计红绿灯的时候用的就是红黄蓝三原色，但是蓝色的明度低，发散度太高，凝聚度不够。因为蓝色发散，所以如果用蓝色的话，从远处看就会看不清。
这就像我们看蓝色的大海时，总觉得是一望无际的，就是因为蓝色在视觉上会给人很发散的感觉，后来设计者也不得不把红绿灯的蓝色改成了绿色。
最后，我们来看一下纯度，纯度指的是一个颜色和其他颜色在一起勾兑的比例。一种颜色里，掺杂的其他颜色越少，纯度就越高。这里有个误区，那就是纯度指的不是颜色的深浅。
我用三原色的知识点给你解释，你就懂了。我们前面说三原色可以通过混合产生其他的颜色，其他颜色是调不出来三原色的，所以，三原色是纯度最高的颜色。而像紫色、橙色是通过两种颜色调和出来的，纯度会比三原色低一些，但是比棕色、褐色的纯度高，那是因为棕色、褐色是由多种颜色调和出来的。
举个例子，如果我要调橄榄绿，那我就要在普蓝里加入土黄、少许的柠檬黄、中黄，还有一丢丢的红色才能调出来。所以它的纯度就很低，因为有太多的颜色混合在一起了。
说到这里，你会不会好奇黑色的纯度是高还是低呢？其实，黑色的纯度是最低的，它会吸收所有的颜色。所以，五彩斑斓的黑色是不存在的，五彩斑斓的颜色混合在一起就会变成黑色。
接下来，我们来看一下画面篇，画面就是我们看一幅画时，看到的除了颜色以外最直观的东西。这部分学完你就可以从“外表”简单地评论一幅画了。
在这个部分里，我要给你讲的名词是构图、笔触、线条和色块以及肌理。
我们先来看构图。简单理解，构图就是指画面中每个物体的位置是如何安排的。在油画里，我们常说的构图法有透视、黄金分割点和垂直构图等。
我在这里着重解释一下透视。透视分为4种，有定点透视（单点透视法）、散点透视、空气透视和隐没透视。
在油画里，最常用的透视方法就是定点透视。它是一种把立体三维空间的形象表现在二维平面上的绘画方法，使观看的人对平面的画有立体感。比如说我们把一个立方体画在纸面上就运用了定点透视。
散点透视法一般在中国国画中比较常见，但是在欧洲中世纪的一些作品里也有应用。散点透视就是在同一个画面中可以有多个焦点，如同一边走一边看，每一段都可以有一个焦点，视域范围可以无限扩大，因此可以画非常长的长卷或立轴画。
空气透视法一般用颜色的鲜明度表现物体的远近，也就是说，近处的物体色彩鲜明，远处的物体色彩模糊，失去了原来的颜色，一般就用淡蓝色代替。
隐没透视法一般用物体清晰度来表现物体的远近，所谓“远山无皴，远水无波，远树无枝，远人无目”。
笔触就是绘画时，颜色在画面留下的痕迹。比如说，我们看下面这幅画的局部，笔触就很明显。
举个生动的比喻，当你心情平静的时候，你写的字可能也是很平静的；当你着急的时候，你写的字可能就是龙飞凤舞的。字迹的不同，对应到油画里，就是笔触的不同。笔触的不同，会影响画面的表现力。
那我们通常怎样形容一幅画的笔触呢？常用的形容就是：有力量的、果敢的、豪放、细腻、急促、紧密、柔和。我们在欣赏不同的作品时，可以有意识地去观察。
线条和色块这两个概念都很显而易见，就是我们平常所说的线条和色块，如下图：
肌理就是为了画面效果，做的一种特殊处理。（有人也把笔触看作是肌理）有些艺术家喜欢在画的底色里掺杂一些沙子，有的则是直接附带上一些材料到画面上。基弗（1945- ）就是一个典型的代表：
我们可以把肌理理解成一种质感，这种质感可能是光滑的，也可能是粗糙的，也可能是软硬的或坚硬的感觉。但是，总的来说，艺术家使用肌理是为了辅助画面的表现力，好的作品的肌理是不容易被发现的，因为会给人一种整体的感觉，不会让人觉得肌理在喧宾夺主。
最后一部分是我们的宗教篇。因为西方油画很多都是宗教题材的，所以第三部分，我给大家简单解释下常用的宗教词汇：
耶稣，我们应该都听过，他是基督教唯一真神，是基督宗教的中心人物，他为了向人类传播神的旨意，降世为人。我们都听过耶稣被钉在十字架上的故事，这是他在人间必定要遭遇的磨难。圣子指的也是耶稣，但是特指复活之前的耶稣。圣父指的就是神。圣灵代表神的意志的传递者，一般用鸽子来表示。
圣母玛利亚是耶稣的母亲，她受神的感召无染受孕，在牛棚里生下了耶稣。天主教把圣母玛利亚尊为圣母来敬拜。
圣光圈是代表圣人身份的一个光圈，如果油画里的人物的头上有这个标志，那他一般都是圣人或者神，如下图：
如果你对宗教这块很感兴趣的话，可以自己去了解一下。在之后的课程里，我们还会讲到宗教画。
好了，我们现在已经有了一个基本的名词小清单，你可以随时往里面添加内容，变成你个人的艺术知识小宝库。理论知识已经武装得差不多了，那么我想和你谈谈我们该以什么样的心态看待艺术。
关于艺术呢，争议一直都比较多，因为不是所有的艺术品都可以被我们理解与接受的。那作为观赏者，我们到底该以怎样的态度、或者说何种心态来看待艺术呢？
其实就是一句话：我们的态度一定要正确，何为正确的态度呢？就是我们可以不接受作品的画面感，也可以欣赏不了作品，但是，不管是对艺术家还是对作品，态度一定要尊重，要认真地面对在你面前的作品。
因为，在艺术史的这条路上，一直都是腥风血雨的。如果我们认真去看历代的艺术家们，他们要么孤独终老，要么贫穷一生，当然也有成功的，但都是极少数。可正是这些艺术家们执着的追求、不懈的斗争，才给我们留下这些不朽的可以洗涤精神的传世佳作。
而每一幅作品后面都有一个灵魂、一个故事。我们能通过这些作品和艺术家们对话，感受遥远的他们的挣扎与成长。可以这么说，每幅作品都是艺术家经过长期的学习、深思熟虑，考究过后，呕心沥血创作出来的。
所以，即使你看不懂，理解不了，也请你带着一颗尊重与虔诚的心去欣赏每一幅画、聆听每一个艺术家的故事。只有抛开成见、放下身段、心平气和地去欣赏，我们才能更近距离地走进这些作品的内部，感受艺术家的情怀。
从下一讲开始，我们的艺术之旅正式启程！
今天，这一讲我给了你一份油画名词小清单，分别是色彩篇、画面篇和宗教篇。油画里的这些小知识点，就像建筑里的小基石，会给我们欣赏油画提供一个扎实的基础。
但只有把理论和实践结合起来，我们头脑中的知识才能得到运用，我们才能逐步地提高鉴赏能力。
最后，在启程前，我和你聊了应该以什么样的心态看待艺术，不管我们能不能欣赏一件作品、或是喜欢一件作品，我们都要有一颗尊重艺术的心。
最后，我想给你留一道练习题。我在下面放了一幅画，你尝试一下，能不能用这一讲学习的知识来简单地分析一下这幅画？欢迎在留言区和我分享你的想法。
感谢阅读，虽然只是小小的基石，但是却至关重要，在我们启程之前，你可以把这些至关重要的小知识分享给你身边的朋友，让我们一起成长！
（课程研发：丁洋洋、易家成）
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