你好！我是罗桂霞。
假设我们今天有一场投票活动，主题是“我认识的艺术家”，除了达芬奇、米开朗基罗和毕加索之外，你觉得谁的票数会是最多的呢？我想，你应该猜到了，就是梵高。
如果用一首歌来形容我们与梵高（1853-1890年）的关系，“最熟悉的陌生人” 这首歌最贴切不过了。我们都知道梵高是谁，对他的作品也有了解，就连他的故事我们都能说出来几个，比如他曾割了自己的耳朵，他患有精神疾病，持枪自杀，他死后才出名等等。
但是，如果我问你，梵高的画到底好在哪里，你的答案会是什么呢？
可能你也说不好，只是知道它们都很贵。那么，这一讲，我就带你寻找这个答案。我们从哪里开始呢？
既然谈到了画，我们就先以梵高的两幅代表作为起点，去追寻梵高的足迹。这两幅画，一幅是让无数人心驰神往的《星夜》，另一幅就是让全世界都疯狂的《向日葵》。
也许在过去的每一次，你看梵高的画都代入了他的生平经历。今天的第一步，我们就要先抛掉对他过往的认知，单纯从作品本身去欣赏。
我们先来欣赏梵高的向日葵，其实梵高画过很多幅向日葵，我们能看出来，它们都很相似。从内容上看，都是典型的花卉画，画面主体是几株向日葵；从构图角度看，也只是一般的对称构图法。那它们哪里出彩呢？
人们都说，因为向日葵的花瓣和枝叶看起来“张牙舞爪”，一看就有生命力。
这的确是向日葵的独特之处，但是它更出彩的地方是画面的用色，可以这么说，即便向日葵的形状很普通，但是，单看这些画的颜色审美，它们就能称得上是了不起的大作。
尤其是右面这一幅，是最能体现梵高水平的，因为这幅画体现了梵高对相同色相把握的绝妙。整幅画用的基本上都是黄色，却又不是一种黄色，很少会有人选择如此相近的颜色绘画，给自己制造这么大的难度。
那么梵高是怎么处理的呢？让我们来一探究竟：
我把这幅画的色相分布划分成了5块区域，接下来，我会逐一给你分析每一块区域。
我们先看区域1和区域2的颜色，基本上是墙的颜色，分布很大，乍一看是一块黄呆在那里。但是细看能大体分为4块不同的黄色，看图片可能区别甚微，但是放大细看，能看到区别。我们会发现，区域2和区域1虽然都是黄色，但是区域2的整体颜色暗淡一些。
接下来是桌子的颜色，也就是区域3，颜色的明度几乎一样，但是桌面的左右有冷暖之分。整体来看，墙面与桌子对比，墙面是冷色调的黄色，这样在视觉上会显得比较远，桌面则是较为暖色的黄色，在视觉上就会离我们更近一点。
放有向日葵的罐子，我标记为区域4，这部分主要是罐子底部和罐子上部的颜色对比，这里的颜色很奇妙。罐子底部色调微冷，稍稍偏紫粉，这就让瓶子与墙和桌子的颜色形成了对比，让其跳出来。然后罐子上部的颜色，变了一下颜色为棕黄，就把罐子与向日葵分开了。
然后整个大的区域5就都是向日葵了，向日葵的走向没有一个是相同的，颜色比墙面的黄色更深，把一个很二维的空间分割成了无数的空间，增强了整幅画的空间感。
其实，整幅画就只有三条比较明显的分割线，其他的都是色块。一条是瓶子的轮廓线，另外两条是桌面和墙面的分割线，这两条算是重颜色的线，让整个画面稳了下来。
为什么梵高在处理相近的颜色时，可以很自然很巧妙呢？因为他在处理相同的色相上，处理的是冷暖、明度、纯度的变化，这种处理可以让我们在看同一色系时，不会出现视觉疲劳。但是运用起来难度系数蛮高，一般不建议使用，处理不好容易只有明暗对比，没有色差对比。
可以这么说，如果我们要给每个画家贴上一个标签，那梵高的标签一定是：高级配色家。因为，从作品的角度看，梵高对颜色的把控是很强的。但是，让人感叹的是，他不仅可以把握住相同的色相，还特别擅长互补色的运用。
什么是互补色呢？互补色，又称为对比色，是成对的颜色。换句话说，就是当这对颜色组合时，会相互抵消，产生带有灰色度的颜色；当它们彼此相邻时，又会创造出强烈的对比度。
现代色彩理论使用RGB加色模型或CMY减色模型，我在其中挑选了四种最主要的互补色：
你可能惊了，这不就是传说中的“红配绿”魔鬼级搭配吗？是的，所以互补色的运用难度系数更高，处理不好会让人感觉很糟糕。一般的画家也是绝对不敢轻易尝试互补色的。
那么，梵高是如何巧妙运用互补色的呢？我们来看梵高的这幅《星夜》。
放眼望去，是一大片的蓝色，蓝色的天空、蓝色的山和房子，但是在这蓝色中又多了少许的黄色，蓝色和黄橙色正是互补色。如果没有这一点黄橙色，整体蓝黑色的画面会让人感到很压抑，尤其还搭配着如火焰一般的丝柏树，占据了很大范围，增加了压抑的气氛。
这点点亮星和流云似乎让整个悲伤的画面跳跃了起来，流动式的笔触会让人的情绪不自觉地跟着躁动，你会感觉，天空中的一切好像都在流转、在转动，蓝色与黄色慢慢融合在一起。
这种互补色的运用并没有让我们产生不适，反倒是让我们感受到了时间和空间的流动性。
这里插一个冷知识，你有没有好奇过，梵高的星空为什么是漩涡状的？有人说是因为他吃了毒蘑菇，产生了幻觉，才画出这样的星空，但其实是当时有一种自然现象叫旋形云，梵高应该是在绘画的时候，正好赶巧遇上了。这种云在中国传统里也有，叫祥云，常用于家具装饰。
同样，运用互补色很好的画家还有保罗·高更（1848-1903年），他也是梵高的好朋友。我们来看一下高更的画，你可以将他的画与梵高的对比一下，是不是有不一样的感觉？高更的颜色对比更干脆一些，整片的红对整片的绿，更偏向于色块的整体搭配。
因为高更是绘画世家出身，对颜色的学习和运用比较系统，而梵高更多是靠直觉与感觉、靠想象力去花画画。所以高更的作品给人的感觉是，即使用了很多互补色，画面也比较稳，而梵高的画面会给人一种动态不稳定的感觉。
我们印象中梵高的作品，颜色大都是明亮欢快的。不知道你有没有见过梵高早期的作品，他早期的创作基本都是灰暗色系的，基本没有亮的颜色，就像这幅《吃土豆的人》。
这和我们印象里的梵高大相径庭，他居然也画过这种色系的画。其实，在工业革命时代，大部分艺术家都是在附和贵族以及资产阶级的。梵高在当时是个特例，他和大家背道而驰，别人为了迎合上流社会而作画，他却去关注贫苦人民。
因为梵高更注重表达内心真正的感受，他觉得这才是最重要的。别人觉得能衬托身价，看上去高尚就行，而梵高不这么认为，这个时期的梵高更在乎的是果敢地表达，表达他看到的真实世界：疾苦的环境、沉重的生活，所以他在色彩的运用上也比较沉闷。
那为什么梵高后来色彩和画风越来越鲜艳呢？因为他在巴黎的时候，接触了印象派，多彩的画面给他带来了视觉冲击。巴黎阴暗昏沉的天气和功利的氛围，也让他更加渴望光和色彩。他的调色盘里颜料才越来越明亮，笔触越来越大胆。
后来，梵高去了法国南部定居，他开始去描摹他心中真实的风景，这时候也是他最主要的创作时期，他画下了《向日葵》系列。
他画的向日葵就像是一个跳动的心脏，无论是枯萎盛开的向日葵，还是在花瓶里的向日葵，向日葵的黄色都是那么的浓郁，就像他，即使被生活磨平很多棱角，也要追随阳光的色彩。
可是，后来在法国南部阿尔勒定居的这几年，却成为了他生命的最后时刻。刚开始，他的弟弟提奥写信给高更，鼓动高更陪梵高住一阵子。梵高租下了黄房子，在这所黄房子里与高更度过了一段愉快的好基友的日子。
但是好景不长，艺术家之间的意见不合让他们分道扬镳，高更离开了黄色小屋，他的离开给了梵高很大的打击，梵高觉得是因为自己的错误，于是割下了自己的耳朵。
最后，梵高身边只剩一个他弟弟，这么多年也是多亏他弟弟给他提供经济支持，他才能勉强解决温饱，买一些颜料。即使一直贫穷，他用颜料画自己喜爱的色彩时，也一点都不吝啬。
但是，穷困潦倒、好友的离去、经济的窘迫还是一次一次打击了他，梵高精神开始有些失常，他住进了精神病院，也许在现实世界中找不到出路，梵高才在精神世界里寻出路，他画下了那幅著名的《星夜》。
蓝色的色调压抑而又抑郁，但是那颗近乎于黄色的月亮，就像他的梦，虽然被悲伤包围着，却依然散发着光亮。扭曲的丝柏树，马上就要冲破天空，就如他的处境。
当我画一个太阳，我希望人们感觉它在以惊人的速度旋转，正在发出骇人的光热巨浪。
当我画一片麦田，我希望人们感觉到麦子正朝着它们最后的成熟和绽放努力。
…
如果生活中不再有某种无限的、深刻的、真实的东西，我将不再眷恋人间。
——梵高 《亲爱的提奥》
同年，他画了《麦田里的乌鸦》，也是他人生的最后时光。
这幅画我最早是在我哥哥带回来的中学美术课画册里看到的，我很清楚地记得当时看到这幅画的感受，感觉自己被一种莫名的力量所吸引，内心说不出的喜欢。那时我只有七八岁，语文水平还不足以认清所有的字。所以，我也不知道是谁画的，但是我总拿手去触摸画面。感觉绘画真的很神奇，怎么可以让人那么的喜欢呢。或许我对绘画执着的种子就是那时埋下的吧。
我们来看看这幅画，它好在哪里，为何能吸引到一个七八岁的小姑娘。
预示着死亡的黑色乌鸦，好像被什么惊起，飞向无尽的未知。面前的三条岔路向前绵延着，看不到远处。画面整体还是很熟悉的互补色。不同的是，如果你细心感受，这幅画颜色的对比会带给你更多的不安和压抑。果敢的笔触，配上明快的颜色，给人感觉像是在追赶着什么，那成群飞的黑鸦，看不到尽头的路，翻滚的麦浪，都象征着梵高那时内心的不安，孤独与迷茫。
梵高时代的人们喜欢奢华和纸醉金迷，所以梵高在生前画的2100幅画，只卖出去过一幅，没人欣赏他的才华，觉得他是在瞎画。但是，梵高死后，他的画作却慢慢火了起来，因为后来经历战争、流离失所、失意的人们才理解了他，从梵高的画里得到了安慰和力量。
当一个人成功的时候，他所有的举动都可以被解释成一个奇迹；可如果他不成功的话，他就会被大家叫作疯子。
梵高的画到底好在哪里？是因为他戏剧性的一生，他的画才出名吗？不，没有对色彩的把控、对真实的追求、对纯粹的执着，他怎么会有戏剧性的一生？
他这一生都在追逐色彩，通过色彩的变动，我们也看到了他艺术的一生。
理解这些后，你再去看梵高的作品，相信你会有不一样的感悟。有一次，罗马开了一个关于梵高的回顾展览，作品很全，我是看了整整四次才看完的。
那是我第一次这么近距离地接触梵高的画，也是第一次看到他的原作，也是我真正第一次对艺术折腰。那是我来意大利的第二年，当时还在读大二，那时的我还是一个高傲的求知者，自认为对艺术的理解或者基本功优于很多人。
但我错了，我虽然热爱艺术，可那时对艺术还未有过敬畏之心。你可能会问我，为什么看了四次才看完，因为我每次进去半个小时，就要出来哭两小时，看梵高的展就像剥了一层皮。当你感受到他在画面里通过色彩与笔触倾注了他对艺术的爱、虔诚与执着，看他的每一幅画就会不自觉地难受，被他注入到作品里的情绪所影响。
后来我问门卫，为什么我每次哭着出来的时候，他都很平静地给我开门。因为一般意大利的小哥哥还是蛮热心的，不递纸巾的话，也会安慰一下。在我疑惑的时候，他指了指台阶，我看见好多人都在抹眼泪或者在梳理情绪，哭的不止是我自己。可能我们都感受到了梵高作品里的那种虔诚与震撼吧，因为作品，我们才能站在另一个时空，与他对话。
“只要活着的人还活着，死去的人就永远不会死去。” 梵高说。
今天呢，我们主要分析了一个问题：梵高的画到底好在哪里？我们从《星夜》和《向日葵》入手，研究了梵高是如何高级地使用相同色相和互补的颜色，同时，还欣赏了一幅高更的画。
分析画作只是我们走近梵高的第一步，我们还探寻了梵高的艺术足迹，他追逐色彩的步子始终没有停下来，无论是他悲天悯人的性格还是他艰辛的艺术家之路，梵高的一生都是值得敬畏的。
回归到生活中，我们怎样学习梵高去把握相同的色相呢？我们可以找细微差别，色差、冷暖、明度都是关键。这种同色相，适合室内装修的软装上，比如房间的用色、窗帘的用色、还有家具的颜色。同色系的搭配不会给人很不适的感觉，整体柔和，但又不失独立性。
而在不同的颜色中，如互补色，互补色的运用就应该注意它们之间的比例安排。互补色的对比很适合我们做大型海报的设计、广告牌设计、通讯栏设计，既可以色彩鲜艳、比例安排合理，效果上也可以做到不杂不乱，宣传的作用会很直观。像高更那样的大面积用色的方法很适合舞台剧布景，对比鲜明，色泽鲜艳。
我们现在回过头来看一开始的两幅向日葵对比图，为什么两面墙的颜色是不一样的呢？你可以猜想一下，梵高想表达什么呢？欢迎在留言区和我分享你的想法。
你发现了吗？不只油画里需要色彩，我们的生活也需要色彩。
情感的共鸣不仅可以来自于眼前人，还可以来自于遥远的时空。有时候，按照社会规则去生活其实很容易，真正难的是如何突破既定的规则、对抗别人的成见和坚守自己的本心。
但也因为这样，循规蹈矩的人会活成芸芸众生，打破规则和循环的人才会被后来人称为英雄。这场旅行的第一站，我献给我最爱的梵高，也希望今天这一讲，成为你平凡英雄梦想的起点。
现在，也许你心里已经有了一点触动，如果你也有这种共鸣，不妨把这一讲分享给你的眼前人。
（课程研发：丁洋洋、易家成）
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