你好！我是罗桂霞。
不知道你还记不记得自己第一次看裸体画时的心情？当时的你可能感觉有点害羞，很慌乱地转移自己的目光和视线，但心里可能有一点点好奇，为什么画里的人不穿衣服呀？
后来，你也看了很多艺术品，你发现在西方的油画里，画家经常画不穿衣服的人。渐渐地，你觉得可能是因为西方的思想比较开放，又或者，艺术本就是一个很纯粹的东西。
但是，你再看到裸体艺术时，可能还是会视线躲避；看到很多人对裸体艺术略有微词、批判为色情的时候，你也不知道该如何评判。其实，裸体艺术的确是一个很多人关注，也非常重要的问题，在历史上，大家关于它的争论，也从未停止过。
在第1讲的时候，就有个小伙伴曾在留言区留言问，为什么马奈那幅《草地上的午餐》里的女人不穿衣服呢？如果你也很好奇，今天这一讲就会给你答案。
那么，我们就来聊聊这个有趣的话题吧。
其实，艺术家画不穿衣服的人有很多理由，但是第一个理由很简单，就是他们必须这样画。
为什么说是必须这样画呢？主要有下面三点原因：
我们来逐一地进行分析。首先，我们来看第一点，也就是说，当艺术家要画古希腊罗马神话题材的时候，画中的人一般是不穿衣服的。
那为什么神话中的人物就不穿衣服呢？因为在当时的人们眼里，神都是超自然的存在，他们和人类是不同的。男性的神一般有着高大威猛的形象，而女性神则是恰到好处的丰腴体态。
为了展现这种身材上的不同，画家自然就不能给他们穿上衣服了。
比如说，在第4讲，我们欣赏过鲁本斯（1577-1640年）的《强劫留西帕斯的女儿》，画面里被强劫的两个女人就没有穿衣服。当时，我们着重地讲解了光影，对于画面的故事只是简单地提了一下。
但是，如果你还有印象的话，你一定记得强劫的两兄弟是宙斯的儿子，所以这幅画是一个神话题材。在以宙斯为体系的古希腊罗马神话题材中，一般来说，画面人物都是不穿衣服的。然后，他们是强抢，所以女人都还在睡梦中，自然没有穿衣服。
还有，我们在讲历史与流派时曾看到洛可可时期的一幅画。
这是第一幅进入卢浮宫的裸体画，布歇（1703-1770年）的《戴安娜离开她的浴室》是洛可可艺术的代表作，左边的是罗马神话中的戴安娜（即希腊神话中的阿耳忒弥斯），她是月神和狩猎神，前额还配带了一个月亮形状的头饰。
洛可可的画家就经常以希腊罗马神话的女神为题材，色彩明亮俗艳，表现情欲和享乐。而且我们能看到，画家有意地美化了女神的形象，对女人皮肤的描绘很细腻，而且皮肤和场景的颜色，都带一点玫瑰色，让人感觉特别嫩，像是能捏出水来一样。
除了希腊罗马神话，基督教的圣经故事对裸体画的贡献也是“功不可没”。我们来看大卢卡斯·克拉纳赫（1472-1553年）的这幅《亚当和夏娃》。
画面中这个不穿衣服的年轻男子就是亚当，他作为第一个人类被上帝创造出来的时候，就是没有衣服的。这属于圣经故事里的设定，包括后来夏娃被制造出来后，也是不穿衣服的。
大卢卡斯·克拉纳赫的这幅《亚当和夏娃》，画的就是亚当和夏娃二人住在伊甸园里的情景。夏娃手上拿着的是禁果，也就是有“智慧之果”之称的苹果。上帝说你们不能吃禁果，吃了就会看见世间的丑恶，就不能享受伊甸园的快乐了。
但是，你也知道，他们后来还是吃了。他们吃完之后，意识到彼此赤身裸体，并为此感到羞耻。上帝就生气了，把他们逐出了伊甸园，这就是马萨乔（1401-1428）的名画《逐出伊甸园》的故事背景。
所以你可以看到，他们在很羞愧、懊悔地哭，手的动作也不像之前那样潇洒随意，而是用来挡住脸、胸部和阴部，这就是有羞愧感的表现。
为了表现这一主题，油画作品里的亚当和夏娃形象几乎全是裸体。除此之外，还有耶稣之死的场景，耶稣受难时呈现的裸体同样是为了表达作品的主题。
值得一提的是，在中世纪，很多教会为了吸引民众入教，也会把耶稣和圣母的形象画成裸体。比如说，在画圣母的形象时，有意让她的胸部几乎裸露在外面，吸引大家进教堂，从而被洗脑。
希腊罗马神话和基督教故事，就这样为后世提供了大量的裸体画素材。
第三点，就是画家尊重事实和史实。比如说，在古希腊和古罗马时期，艺术作品中的女人不穿衣服，是跟他们的民风民俗有关。那个时候女人的穿着很简单，就是一个大床单往身上一裹，然后找个青铜扣一系，就成了一件衣服。
记得之前，我看一些早期的罗马古装剧，我就感觉演员们都好可怜，身上几乎没什么衣服，和我们的古装剧比起来差太远了。但其实，不穿衣服或者只穿很少的的衣服，是他们的习俗，因为地中海气候，他们的夏天实在是太热了。
除了习俗之外，还有一种是故事，就是说，画家在以某一个故事为题材的时候，按照故事里的情节，他需要画不穿衣服的人。一个典型的例子就是科利尔（1850-1934年）的《马背上的戈黛娃夫人》。
可能你之前见过这幅画，这幅画很有名。你能看见，马背上这个女人很美，但是也许你不知道她为什么光着身体坐在马上。我给你简单地讲一下背后的故事。
这个女人被称为戈黛娃夫人，她的丈夫利奥弗里克伯爵在当地横征暴敛，当地的百姓都叫苦连天。但是戈黛娃夫人是一位很善良的女子，她实在看不过去，就向自己的丈夫求情。
但是她丈夫利奥弗里克伯爵生气了，认为她这样同情百姓是没用的，因为百姓不值得她这么做。他说，如果戈黛娃夫人能赤裸身体骑马走在城里，只能用头发遮掩身体。假如所有人全部留在屋内不偷偷看她的话，便宣布减税。
第二天，戈黛娃夫人真的这样做了，而百姓们都知道背后的原因，也就都关闭了门窗，大街上也空无一人。据说，只有一名叫Tom的裁缝在窗上凿了个洞偷窥，后来他就瞎了。英文中就有一个形容偷窥狂的俗语：Peeping Tom。
而画家为了表现这个故事的高潮部分，也就是不穿衣服的戈黛娃夫人，自然不会让画中人穿衣服了。所以，当一幅画里的人不穿衣服，我们也可以想想这是不是某种时代背景，或者是背后有一个故事。
那除了神话和宗教、历史事实之外，艺术家为什么还要画没穿衣服的人呢？
如果说上面这几个是因为艺术家必须这样画，那么还有一点就是艺术家就想这么画！也就是说，他们这么画是故意的、是刻意而为的、是带有目的性的。如果我们把历史上这些主要的目的进行一个简单的分类，我们也可以分为以下三种：
“刻意迎合”这点比较不太容易理解，主要指的是某个艺术时期，艺术家们比较喜欢裸体画，所以很多艺术家们都会去创作裸体艺术。比如说我们常说的洛可可时期，这个时期的很多作品里都有没穿衣服的人或者是神。
不仅为了迎合时代的需要，一些艺术家们会接贵族们的订单，很多贵族都喜欢裸体画，用来摆在家里作装饰用，所以，就出现了很多这样的作品。
最有代表性的例子就是艺术家们对三美惠的描绘。
三美惠是希腊神话中的女神，根据《神谱》中记载，美惠三女神是宙斯的三个女儿。她们最早是代表丰收的女神，后来才演变成美惠女神。虽然不同的学说对她们的解释不一样，但是共同点是她们三个在希腊神话里，有着代表人生全部美好的寓意。
这个美好的寓意，颇受贵族们的喜欢。所以，历史上，题材为美惠女神的作品数不胜数，而在艺术表现中，她们三个也通常呈现为裸体。你之后要是在画里看到三个没穿衣服的女人，脸上带着喜悦和幸福的，基本上就是三美惠女神。
第二点，就比较好理解了，就像文学家会拿笔杆子讽刺社会现状一样，艺术家们也会用绘画这种形式来批判他们想讽刺的东西。有时候，画家画裸体已经不是只追求画面美和吸引人的眼球那么简单了。
很多时候裸体这个符号要是被艺术家运用得当的话就是一种带有抨击性的语言，强有力但是却很隐晦地批判或突出一些东西。
我们来看一幅很有意思的画《德·埃特雷公爵夫人和德·维拉尔公爵夫人像》。
在16世纪30年代，由于王室的推崇，枫丹白露画派开始在法国宫廷盛行。这个画派留下了很多贵妇人的裸体肖像，一方面是因为皇家贵族爱看，另一方面就是画家要通过裸体表达暗喻。
《德·埃特雷公爵夫人和德·维拉尔公爵夫人像》就是其中最有名的作品，画面中左边的是德·维拉尔公爵夫人，右边的是德·埃特雷公爵夫人。她们虽然是公爵夫人，但同时也是国王亨利四世的情人。当时特别流行情人这一套，亨利四世甚至不只有她们这两个情人。
因为人名比较难记，我们把画面左边的德·维拉尔公爵夫人称为小左，把德·埃特雷公爵夫人称为小右。
当时国王情人的枕边风可是很厉害的，可以影响朝政、左右权力。亨利四世已经答应要娶小右，但是还没有正式娶她。你看，她的手上捏了一枚戒指，那就相当于是订婚戒指。
旁边的小左则捏着她乳头，这个姿势有个专门的说法，叫“法国捏”。它暗示小右就要进行哺乳了，因为她之前已经给国王生了三个孩子了，这就说明她已经怀了国王的第四个孩子。
同时，画家通过这个姿势想表达一种亵玩的感觉——你觉得自己赢了，拿着胜利的财物，但是你看到没？你的乳头在我的手上捏得就跟小戒指一样。国王的固定情人不只是你，你也未必是地位最高的那个。为了把这个细节清楚地呈现给观众，公爵夫人就自然没有衣服蔽体了。
这幅画特别出名的原因就是艺术家用的这种手法，它让人感觉整个画面有一种令人不安的气氛。朝政被国王的情人左右，而情人又是公爵夫人，所以其实公爵夫人就是一种媒介、一个纽带或者说一颗棋子，公爵借助她间接把控朝政。
因为画家想表达当时朝廷的腐败、社会风气的腐败，但又怕自己被杀头，所以采用的是匿名画的形式，至今我们仍然无法确定作者到底是谁。
第二幅画就是之前跟大家见过面的《草地上的午餐》了。
画中，两个绅士在谈论和聊天，却对旁边的裸女视而不见，这种场景具有很大的冲突性。因为性欲属于人类的本能，我们最不能掌控的就是自己的欲望，最不能控制的冲动就是原始的性冲动。
但是两个男人居然可以很绅士地对裸女视而不见，如此淡定自如地交谈，这显然是一个典型的冲突。所以，为什么画中的女人不穿衣服呢？主要是因为马奈想借此表达对社会的讽刺。
这种讽刺有一浅一深两个层次。浅层的讽刺是，一个这么漂亮的女人不穿衣服，依然被两个男人漠视，这讽刺了女性和男性地位的不平等。深层的讽刺是，男人对如此明显的裸体女人无动于衷，就像当时的人们对社会矛盾装作没看到。
第三点，创作自由，这点主要说的是20世纪后的艺术家们，也就是现代和近当代艺术时期的艺术家，他们的自我意识比较强，个人主观感情也比较浓烈，所以他们基本上是“随心所欲”型的。
比如说，在19世纪末、20世纪初时很流行的浴女图。因为这一时期画家的绘画空间没有那么局限了，大家也变得特别自由奔放，之前裸体大多是室内画的，现在艺术家们就纷纷尝试在室外画裸体，所以浴女图这时候就特别盛行。
他们通过自然与裸体形体的这种结合来表达，我既可以画人，也可以画自然，我想怎么画怎么画。这时期相当于在艺术思想解放，我现在是自由的，在我的创作中，只要我愿意，我可以让任何人出现在任何场景。当时之所以有这种浴女图，就是因为创作的自由，想要随心所欲地画。
不过毕加索这幅画，又有点不太一样了。因为大家都画室外浴女，他想有自己的独特性，就画了室内的浴女。而且从这幅画可以看出，女性的地位在提高，她们变得更自由了，可以拥有自己独立的房间，可以自己在里面洗澡，干一些比较私密的事情了。
但是，虽然女性地位在提高，但是也只是相对的提高。墙上是图卢兹·劳特雷克的舞女海报，图卢兹·劳特雷克就是在1901年去世的，在这里出现这个海报，一是为了纪念图卢兹-劳特雷克；二，也从侧面表现了女性地位还是比男人低很多，对于男人来说，只是一个玩物。
最后，我想从技法的角度解释为什么画里的人都不穿衣服。
在文艺复兴时期，达芬奇（1452-1519年）研究人体解剖之后，他发现每个人的人体结构都是不一样的。比如说，有的人有很发达的肱二头肌，有的人就没有；有的人身体纤细，有的人孔武有力。
后来，艺术家们都开始了对人体绘画的研究，试图让画面中的人体动作更自然，人体解剖兴起之后，画家们开始研究人体的纹理走向，画人体慢慢成为了一种艺术修养。
为了表现自己的技法精湛，艺术家们“争奇斗艳”，对解剖的求知欲达到了顶峰，一直在追求如何全面地表达动作和人体的合理性。慢慢地，画人体就成为了大家对于技法的追求。
既然要画人体的结构，穿衣服肯定是不方便的，于是，画裸体成为了绘画的必修课。
“文艺复兴三杰”之一的米开朗基罗（1475-1564年）为梵蒂冈西斯廷教堂画了一幅很有名的壁画，叫《创世纪》。这里面不穿衣服的人特别多，身体上都是大块的肌肉，就是为了表现人体的美。
我在意大利读书时，人体绘画课是一门从大一到研二（意大利研究生两年）都要上的课，每年都有男、女裸模供我们进行写生。
至此，我们就已经分析完了艺术家画裸体的几个主要原因。
其实，不管画面中的人物是否穿衣服，是否“磨皮”，这些作品都是一个时代中被洪流推到了巅峰，后来又沉淀下来的经典。就连米开朗基罗为教堂画的一幅很有名的壁画《最后的审判》，在那个时代都有被墙皮盖住的悲惨命运。
因为裸露的肉体被教会称为亵渎神明。还好，后人们通过修复的手法，卸掉了覆盖在上面的新壁画，壮观的《最后的审判》才得以重见光明，重新能被我们欣赏。
这就是艺术，在万千裸体面前，你能感受到的不是淫秽，而是震撼、是高雅、是一种拒你千里之外的美。有时候极端的思想才是扼杀一切的根源，所以我们要学会包容，试着去理解。
但是，这些都是建立在可辩是非的前提下。
今天，我们主要聊了一个话题：画中的人为什么不穿衣服？针对这个问题，我们从三个角度进行了分析和探讨，分别是：必须这样、就想这么画和对技法的追求。
其中，画家比如这样的原因主要是神话和宗教题材的设定、对事实和史实的尊重；就想这么画，是因为迎合时代的需要、批判和讽刺社会以及画家个性发展之后的创作自由。
无论是因为哪个原因，画裸体自古以来都不是一件“不正经”的事。它作为画家表达自己艺术思想的手段和工具，一直都是为了艺术家的思想而服务的。
而且从每一幅裸体画里，我们能看到艺术家们的灵魂和思考痕迹，能看到一个时代对美、对美好的向往和追求，看到人类在人体绘画上是如何追寻艺术脚步的。这才是我们欣赏一幅裸体画时更重要的事情。
今天的思考题很简单，我想借用一位小伙伴的留言。之前有位小伙伴在留言区问我，为什么中国没有那么多的裸体画？不妨在留言区一起留言，我们一起讨论一下。
你还可以把你看到的、你认为的最美的裸体画发在留言区分享哦！
今天，我们的拓展第一讲就结束了，其实这一讲主要是为了让你开阔一下视野，让你在学完了色彩、光、构图、结构变形和抽象这些基本画面要素后，可以放松一下心情。
那么，下一讲，我们就要继续上路了，我们将走进艺术家们的内心，去深层次地感受每一幅油画的背后情感。要做好准备哦，我们一起加油！
今天这个有趣的话题，如果吸引到你的话，欢迎你把这一讲分享给你的朋友。
（课程研发：丁洋洋、易家成）
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